El Juego Infinito
El Juego Infinito es un ensamble de música en vivo para cine mudo, integrado por Hernán Kerlleñevich y Jerónimo Naranjo. A través del sintetizador y la guitarra eléctrica, utilizando loops y efectos, exploramos sonidos que acompañan y reinterpretan las imágenes. Nuestra propuesta es experimental, basada en la improvisación, y busca dialogar con las narrativas visuales de las películas, fusionando lo clásico con lo contemporáneo. La experiencia es similar a las del origen del cine, cuando la música en vivo era un complemento natural para las proyecciones insonoras. El proyecto está pensado para cines, espacios culturales y festivales que quieran sumar una nueva dimensión al cine mudo, e invita al público a disfrutar de estas obras desde una perspectiva audiovisual diferente.
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Descrição
El Juego Infinito es un ensamble de música en vivo para cine mudo, integrado por Hernán Kerlleñevich y Jerónimo Naranjo. A través del sintetizador y la guitarra eléctrica, utilizando loops y efectos, exploramos sonidos que acompañan y reinterpretan las imágenes. Nuestra propuesta es experimental, basada en la improvisación, y busca dialogar con las narrativas visuales de las películas, fusionando lo clásico con lo contemporáneo. La experiencia es similar a las del origen del cine, cuando la música en vivo era un complemento natural para las proyecciones insonoras. El proyecto está pensado para cines, espacios culturales y festivales que quieran sumar una nueva dimensión al cine mudo, e invita al público a disfrutar de estas obras desde una perspectiva audiovisual diferente.
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El Llamado del Tambor podcast (independiente)
Soy Pamela Castañón Pinto, boliviana, residente en Colombia desde 2014. soy música, antropóloga y magíster en musicoterapia. Me formé como pianista clásica en el Conservatorio Nacional de Música en Bolivia (1991–2005), obtuve mi título en Antropología en la UMSA, Bolivia (2009) y completé la maestría en Musicoterapia en Colombia (UNAL, 2012) siendo acreedora de una beca para estudiantes sobresalientes de posgrado. Soy creadora del podcast El Llamado del Tambor, inicialmente un programa en la radio comunitaria Wayna Tambo, Red de la Diversidad, durante 2018 y 2019. En el cual mi objetivo era compartir mis investigaciones, en diálogo con la música y saberes comunitarias, con la finalidad de aportar a la visibilización de sabedores aforodescendientes e indígenas y su aporte a a la musicoterapia comunitaria y a la vida misma y mirada de muchos músicos, para reconocer y aprender del impacto de sus saberes, insistiendo en la necesidad en dirigir la mirada hacia nuestras raíces. Este proyecto nació en lo radial, pero se ha ido nutriendo y evolucionando, profundizando el trabajo con las piezas sonoras, incorporando a las maneras de comunicar las investigaciones, también el audiovisual, documental. Mi trabajo de investigación siempre ha contemplado las reflexiones y compromisos éticos enmarcados en metodologías de investigación-acción participativa, y la intervención comunitaria a través de la música y el arte. promoviendo investigaciones comunitarias, tejiéndome con propios actores “investigados”, buscando los materiales generados sean de su servicio y aporten a sus causas. En este camino me he desempeñado también como gestora cultural, ganando estímulos en algunas convocatorias de investigación musical y comunitaria: 2021: Estímulo de la Gobernación de Boyacá, Secretaría de Cultura por Cantos de la Montaña, investigación en formato documental audiovisual sobre música tradicional de Áquira, Boyacá. 2022: Estímulo del Ministerio de Cultura de Colombia con La Marimba en el Aire, explorando la marimba del Pacífico sur colombiano junto a la memoria del fallecido maestro Kizú, Marimbero, hijo de una importante lidérela social afrocolombiana víctima de la violencia y del desplazamiento forzado con quien trabajamos este documental e investigación comunitaria contando con el aval de AMDAE y la Corporación José el Artesano en Tumaco. 2022, Investigación comunitaria en patrimonio y memoria: Estímulo por Tejido, Memoria y Territorio en Raquira, donde lideré la investigación produciendo un videoclip y tres episodios de podcast con historias de vida de saberedores locales. 2023, de manera autofinanciada elaboré un Teaser sobre el Maestro afroboliviano Rolando Pedreros bailarín, compositor, percusionista de legado directo, para que esta pieza aportase a construir su portafolio artístico, y ayudara a buscar fondos para la realización de un documental. 2024, realicé algunas entrevistas en Guinea con la finalidad también de convertir estas piezas audiovisuales en elementos para construir el portafolio de mis maestros de música y danza en Guinea, publicados en sus plataformas, como también que sirvieran de aporte para algunas situaciones de mujeres en particular, como es el corto “yahka”. He sido parte de una comunidad de migrantes urbe-rural en Colombia 2014-2023, trabajando desde adentro la investigación-acción, aplicando lo aprendido en las investigaciones a las intervenciones comunitarias, desempeñándome también como formadora artística de niños y jóvenes. Por otro lado, he continuado estas investigaciones también a nivel instrumental con continuos estudios de canto, percusión y danza de raíz africana, ejecutando instrumentos como marimba, balafón y kora, además del djembe, tambor alegres, cununos, tamboras, dundunes, etc. siendo aun las teclas un camino expandido. La investigación de sabiduría de vida comunitaria, salud, en la música de raíces indígenas y africanas para mi se ha constituido en un camino de vida, de largo y profundo compromiso con portadores de estos saberes, y esta búsqueda iniciada desde 2003 comenzó con dla aproximación a sabidurías de raíz indígena y sobre todo africana en Bolivia, acercándome a Chicaloma, población yungueña fundamental en mi formación. Posteriormente, profundicé estos aprendizajes en Colombia durante mas de diez años, explorando música, cantos y danzas afrodescendientes con distintas maestras y maestros, participando en festivales de tambora, bullerengue y músicas del Pacífico sur colombiano, donde a diferencia de escribir sobre “los otros y sus saberes” he invitado a mis maestras y maestros a Festivales como Gracias Africa, en 2021, o a mesas redondas en congresos latinoamericanos de musicoterapia, para ellos mismos compartir sus saberes con estos públicos de saberes mas académicos u occidentales. El mas reciente eslabón importante en esta trayectoria fue la posibilidad de estudiar en Guinea, África, desde fines de 2023, a mediados de 2024, tiempo apenas suficiente para apenas iniciarme en la aproximación a querer conocer y comprender sus danzas tradicionales, percusión, kora y balafón, camino que con ansias deseo continuar, el de actuar como un puente en este legado. He iniciado este camino apoyando a la gestación de un curso de canto tradicional en sousou, en línea cuando estuve en Guinea, y trabajando para convertirlo en Un curso online de pronto acceso con el Maestro Salifou Camara, Vengo masterizando un disco que el Maestro Nanzady Keita me solicitó grabar en su aldea malinké, y aportando con cortos videos para que sirvan como portafolios artisticos, en una plataforma donde maestros guineanos guían los viajes de estudios. es un camino el hacer puentes sur-sur. y esta parte del camino construyendola bajo la palabra de Woumufatama, que significa, no podemos separarnos.
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Soy Pamela Castañón Pinto, boliviana, residente en Colombia desde 2014. soy música, antropóloga y magíster en musicoterapia. Me formé como pianista clásica en el Conservatorio Nacional de Música en Bolivia (1991–2005), obtuve mi título en Antropología en la UMSA, Bolivia (2009) y completé la maestría en Musicoterapia en Colombia (UNAL, 2012) siendo acreedora de una beca para estudiantes sobresalientes de posgrado. Soy creadora del podcast El Llamado del Tambor, inicialmente un programa en la radio comunitaria Wayna Tambo, Red de la Diversidad, durante 2018 y 2019. En el cual mi objetivo era compartir mis investigaciones, en diálogo con la música y saberes comunitarias, con la finalidad de aportar a la visibilización de sabedores aforodescendientes e indígenas y su aporte a a la musicoterapia comunitaria y a la vida misma y mirada de muchos músicos, para reconocer y aprender del impacto de sus saberes, insistiendo en la necesidad en dirigir la mirada hacia nuestras raíces. Este proyecto nació en lo radial, pero se ha ido nutriendo y evolucionando, profundizando el trabajo con las piezas sonoras, incorporando a las maneras de comunicar las investigaciones, también el audiovisual, documental. Mi trabajo de investigación siempre ha contemplado las reflexiones y compromisos éticos enmarcados en metodologías de investigación-acción participativa, y la intervención comunitaria a través de la música y el arte. promoviendo investigaciones comunitarias, tejiéndome con propios actores “investigados”, buscando los materiales generados sean de su servicio y aporten a sus causas. En este camino me he desempeñado también como gestora cultural, ganando estímulos en algunas convocatorias de investigación musical y comunitaria: 2021: Estímulo de la Gobernación de Boyacá, Secretaría de Cultura por Cantos de la Montaña, investigación en formato documental audiovisual sobre música tradicional de Áquira, Boyacá. 2022: Estímulo del Ministerio de Cultura de Colombia con La Marimba en el Aire, explorando la marimba del Pacífico sur colombiano junto a la memoria del fallecido maestro Kizú, Marimbero, hijo de una importante lidérela social afrocolombiana víctima de la violencia y del desplazamiento forzado con quien trabajamos este documental e investigación comunitaria contando con el aval de AMDAE y la Corporación José el Artesano en Tumaco. 2022, Investigación comunitaria en patrimonio y memoria: Estímulo por Tejido, Memoria y Territorio en Raquira, donde lideré la investigación produciendo un videoclip y tres episodios de podcast con historias de vida de saberedores locales. 2023, de manera autofinanciada elaboré un Teaser sobre el Maestro afroboliviano Rolando Pedreros bailarín, compositor, percusionista de legado directo, para que esta pieza aportase a construir su portafolio artístico, y ayudara a buscar fondos para la realización de un documental. 2024, realicé algunas entrevistas en Guinea con la finalidad también de convertir estas piezas audiovisuales en elementos para construir el portafolio de mis maestros de música y danza en Guinea, publicados en sus plataformas, como también que sirvieran de aporte para algunas situaciones de mujeres en particular, como es el corto “yahka”. He sido parte de una comunidad de migrantes urbe-rural en Colombia 2014-2023, trabajando desde adentro la investigación-acción, aplicando lo aprendido en las investigaciones a las intervenciones comunitarias, desempeñándome también como formadora artística de niños y jóvenes. Por otro lado, he continuado estas investigaciones también a nivel instrumental con continuos estudios de canto, percusión y danza de raíz africana, ejecutando instrumentos como marimba, balafón y kora, además del djembe, tambor alegres, cununos, tamboras, dundunes, etc. siendo aun las teclas un camino expandido. La investigación de sabiduría de vida comunitaria, salud, en la música de raíces indígenas y africanas para mi se ha constituido en un camino de vida, de largo y profundo compromiso con portadores de estos saberes, y esta búsqueda iniciada desde 2003 comenzó con dla aproximación a sabidurías de raíz indígena y sobre todo africana en Bolivia, acercándome a Chicaloma, población yungueña fundamental en mi formación. Posteriormente, profundicé estos aprendizajes en Colombia durante mas de diez años, explorando música, cantos y danzas afrodescendientes con distintas maestras y maestros, participando en festivales de tambora, bullerengue y músicas del Pacífico sur colombiano, donde a diferencia de escribir sobre “los otros y sus saberes” he invitado a mis maestras y maestros a Festivales como Gracias Africa, en 2021, o a mesas redondas en congresos latinoamericanos de musicoterapia, para ellos mismos compartir sus saberes con estos públicos de saberes mas académicos u occidentales. El mas reciente eslabón importante en esta trayectoria fue la posibilidad de estudiar en Guinea, África, desde fines de 2023, a mediados de 2024, tiempo apenas suficiente para apenas iniciarme en la aproximación a querer conocer y comprender sus danzas tradicionales, percusión, kora y balafón, camino que con ansias deseo continuar, el de actuar como un puente en este legado. He iniciado este camino apoyando a la gestación de un curso de canto tradicional en sousou, en línea cuando estuve en Guinea, y trabajando para convertirlo en Un curso online de pronto acceso con el Maestro Salifou Camara, Vengo masterizando un disco que el Maestro Nanzady Keita me solicitó grabar en su aldea malinké, y aportando con cortos videos para que sirvan como portafolios artisticos, en una plataforma donde maestros guineanos guían los viajes de estudios. es un camino el hacer puentes sur-sur. y esta parte del camino construyendola bajo la palabra de Woumufatama, que significa, no podemos separarnos.
Days of the Phoenix
Days of the Phoenix es una banda de metalcore de Montevideo, Uruguay, formada en 2013. La formación actual incluye a Martín Núñez en la voz, Ignacio Fernández y Yamil Sahid en guitarras, Inti Berro en bajo y Sebastián Rebollo en batería. La banda explora sonidos que abarcan desde el post-hardcore hasta el death metal melódico, y ha estado en constante evolución desde su debut. Su propuesta musical se caracteriza por la combinación de agresividad y melodía, reflejada en sus letras y composiciones. Desde su primer show en septiembre de 2013, Days of the Phoenix ha crecido exponencialmente, tocando en varias ciudades uruguayas y en Argentina. La banda ha sido parte de festivales como ‘Carnival Fest’ y ‘La Campana del Infierno’. También ha compartido escenario con bandas como Reytoro, Arde la Sangre, Lorihen, Serpentor, Mastifal, Plan 4, Comeback Kid y Jinjer.
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Metalcore / Nwoahm (New Wave Of American Heavy Metal)
Descrição
Days of the Phoenix es una banda de metalcore de Montevideo, Uruguay, formada en 2013. La formación actual incluye a Martín Núñez en la voz, Ignacio Fernández y Yamil Sahid en guitarras, Inti Berro en bajo y Sebastián Rebollo en batería. La banda explora sonidos que abarcan desde el post-hardcore hasta el death metal melódico, y ha estado en constante evolución desde su debut. Su propuesta musical se caracteriza por la combinación de agresividad y melodía, reflejada en sus letras y composiciones. Desde su primer show en septiembre de 2013, Days of the Phoenix ha crecido exponencialmente, tocando en varias ciudades uruguayas y en Argentina. La banda ha sido parte de festivales como ‘Carnival Fest’ y ‘La Campana del Infierno’. También ha compartido escenario con bandas como Reytoro, Arde la Sangre, Lorihen, Serpentor, Mastifal, Plan 4, Comeback Kid y Jinjer.
julimusic
Urban Soul / Pop (Nu R&B I)
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Laboratorio musical "Experimentar para Crear"
El Laboratorio Musical Experimentar para Crear, con sede en Cotecnova (Cartago, Valle del Cauca), es una organización cultural con más de 20 años de trayectoria en la formación, creación y gestión de proyectos artísticos. Desde su fundación en 2004, ha trabajado de manera ininterrumpida en la promoción de la música y el fortalecimiento del sector cultural, consolidándose como un referente regional y nacional. Su labor combina tres ejes principales: Formación artística y pedagógica: Con una metodología propia llamada Experimentar para Crear, basada en el aprendizaje práctico y la creación colectiva, ha formado a niños, jóvenes y adultos en procesos musicales y creativos. Productos como APILAB KIDS y el Taller de Creación Musical son ejemplos de su impacto educativo. Gestión cultural y circulación artística: A través de proyectos como Agendas Musicales (más de 800 shows realizados en bares, cafés, restaurantes y centros culturales), el Encuentro de Solistas, el Festival Blues del Otún y su participación en mercados culturales como BoMM y Circulart, ha impulsado artistas locales, nacionales e internacionales, creando redes de proyección cultural. Producción e innovación artística: El laboratorio ha desarrollado obras y colaboraciones interdisciplinarias, como la musicalización de montajes teatrales con el grupo Avatar y el poeta César Montoya “Arlequín”, la creación de himnos institucionales, la puesta en escena educativa Pachín y sus Canciones, y la composición para la obra de danza contemporánea Solo vine a hablar de tu sangre en la nieve. Su capacidad de articulación con instituciones educativas, casas de cultura, fundaciones y entidades públicas y privadas le ha permitido sostener una programación constante, con impacto en la comunidad, la prevención social y la construcción de identidad territorial. Hoy, el Laboratorio Musical Experimentar para Crear se consolida como una plataforma integral para el desarrollo cultural, que integra educación, gestión, circulación y producción artística, con una visión innovadora, sostenible y de alto impacto social.
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Descrição
El Laboratorio Musical Experimentar para Crear, con sede en Cotecnova (Cartago, Valle del Cauca), es una organización cultural con más de 20 años de trayectoria en la formación, creación y gestión de proyectos artísticos. Desde su fundación en 2004, ha trabajado de manera ininterrumpida en la promoción de la música y el fortalecimiento del sector cultural, consolidándose como un referente regional y nacional. Su labor combina tres ejes principales: Formación artística y pedagógica: Con una metodología propia llamada Experimentar para Crear, basada en el aprendizaje práctico y la creación colectiva, ha formado a niños, jóvenes y adultos en procesos musicales y creativos. Productos como APILAB KIDS y el Taller de Creación Musical son ejemplos de su impacto educativo. Gestión cultural y circulación artística: A través de proyectos como Agendas Musicales (más de 800 shows realizados en bares, cafés, restaurantes y centros culturales), el Encuentro de Solistas, el Festival Blues del Otún y su participación en mercados culturales como BoMM y Circulart, ha impulsado artistas locales, nacionales e internacionales, creando redes de proyección cultural. Producción e innovación artística: El laboratorio ha desarrollado obras y colaboraciones interdisciplinarias, como la musicalización de montajes teatrales con el grupo Avatar y el poeta César Montoya “Arlequín”, la creación de himnos institucionales, la puesta en escena educativa Pachín y sus Canciones, y la composición para la obra de danza contemporánea Solo vine a hablar de tu sangre en la nieve. Su capacidad de articulación con instituciones educativas, casas de cultura, fundaciones y entidades públicas y privadas le ha permitido sostener una programación constante, con impacto en la comunidad, la prevención social y la construcción de identidad territorial. Hoy, el Laboratorio Musical Experimentar para Crear se consolida como una plataforma integral para el desarrollo cultural, que integra educación, gestión, circulación y producción artística, con una visión innovadora, sostenible y de alto impacto social.
Dialoghi Contemporanei — Martina Drudi & Samuel Pompeo
O projeto é uma parceria entre a pianista italiana Martina Drudi e o saxofonista e compositor brasileiro Samuel Pompeo, iniciada em 2023. A dupla dedica-se à pesquisa e performance de obras de compositores contemporâneos ítalo-brasileiros, unindo tradição e vanguarda na música de câmara. A proposta combina a escrita da música de concerto com a improvisação, promovendo diálogos inéditos entre diferentes tradições musicais. Além de concertos, o projeto inclui atividades pedagógicas e intercâmbio com artistas e instituições dos dois países, incentivando a escuta crítica, a circulação de obras inéditas e a formação de novos públicos. Dessa forma, consolida-se como um agente inovador na cena contemporânea, articulando tradição, experimentação e diálogo intercultural.
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Contemporánea
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O projeto é uma parceria entre a pianista italiana Martina Drudi e o saxofonista e compositor brasileiro Samuel Pompeo, iniciada em 2023. A dupla dedica-se à pesquisa e performance de obras de compositores contemporâneos ítalo-brasileiros, unindo tradição e vanguarda na música de câmara. A proposta combina a escrita da música de concerto com a improvisação, promovendo diálogos inéditos entre diferentes tradições musicais. Além de concertos, o projeto inclui atividades pedagógicas e intercâmbio com artistas e instituições dos dois países, incentivando a escuta crítica, a circulação de obras inéditas e a formação de novos públicos. Dessa forma, consolida-se como um agente inovador na cena contemporânea, articulando tradição, experimentação e diálogo intercultural.
Música
TresVox Ensemble
Founded by Cristiane Bloes, Paulo Ronqui, and Samuel Pompeo, the TresVox Ensemble is committed to showcasing contemporary Brazilian music, with a strong emphasis on pieces by living composers. By merging innovative arrangements, collaborative creativity, and a dynamic blend of tradition and innovation, the trio brings its unique sound to academic venues and international music festivals. Through a combination of lecture-recitals, educational initiatives, and cultural exchange programs, the ensemble aims to amplify the global presence of Brazilian music and foster lasting artistic and educational connections within the Ibero-American cultural landscape.
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Contemporánea
Música de Cámara
Choro
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Founded by Cristiane Bloes, Paulo Ronqui, and Samuel Pompeo, the TresVox Ensemble is committed to showcasing contemporary Brazilian music, with a strong emphasis on pieces by living composers. By merging innovative arrangements, collaborative creativity, and a dynamic blend of tradition and innovation, the trio brings its unique sound to academic venues and international music festivals. Through a combination of lecture-recitals, educational initiatives, and cultural exchange programs, the ensemble aims to amplify the global presence of Brazilian music and foster lasting artistic and educational connections within the Ibero-American cultural landscape.
Videos
Música
PEÑA HUERTANA "LA HIJUELA"
36 AÑOS ORGANIZANDO FESTIVALES DE MUSICA TRADICIONAL Y VELADAS DE TROVADORES
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Festival de Música de cámara de Antioquia
Daniel Medina Arango inició su formación musical en el año 2008 en la Red de Escuelas de Música de Medellín en la Escuela de la Milagrosa, donde recibió clases de violín con el profesor Edgar Chamorro. En el año 2011 pasó a integrar la Academia Iberoamericana (Iberacademy). En el año 2014 fue aceptado en el programa de música de la Universidad Eafit con énfasis en viola, donde culminó sus estudios de pregrado con la Doctora Braunwin Sheldrick. En el año 2022 culminó sus estudios de maestría y en el 2024 de postgraduate en la Universidad Mozarteum de Salzburgo con el Maestro Thomas Riebl. Actualmente Daniel se desempeña como Solo-Viola en el Mittelsächsische Theater und Philharmonie gGmbH aus Freiberg. Daniel ha participado en el Verbier Festival Music Camp 2014, el Festival Internacional de Música de Esmeraldas 2015, fue miembro de la Filarmónica Joven de Colombia desde la temporada 2015 hasta la 2017 y en la 2019, realizando varias giras nacionales e internacionales con dicha orquesta. Participó en el Festival GSIM 2017 de la Universidad de Virginia, en el Sewanee Summer Music Festival 2018, en el festival Pablo Casals 2018 en Prades, en el Musikakademie en Liechtestein 2019 y 2020 y en el Internationale Sommerakademie Bad Leonfelden 2020. Ganó el primer puesto en el Concurso de Pregrado en Música de la Universidad Eafit 2015-2 en la categoría solista y 2017-2 en la categoría música de cámara. También fue ganador del GSIM Concerto Competition 2017, del concurso de la orquesta de estudiantes de la universidad Eafit 2017 y del concurso jóvenes talento 2018 de la Orquesta sinfónica Eafit. También ganó el primer puesto en el concurso de música de cámara del Retiro 2018, el primer puesto del festival Pianissimo 2018 en la categoría de música de cámara y el tercer puesto en el festival Interviolas de Bogotá en 2023. Ha sido invitado a tocar con orquestas alrededor de Europa como Camerata Salzburg, Ensemble Esperanza, Sinfonie Orchester Liechteschtein, Salzburg Chamber Soloists, Kärntner Sinfonie Orchester y Bad Reichenhaller Philharmoniker.
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Descrição
Daniel Medina Arango inició su formación musical en el año 2008 en la Red de Escuelas de Música de Medellín en la Escuela de la Milagrosa, donde recibió clases de violín con el profesor Edgar Chamorro. En el año 2011 pasó a integrar la Academia Iberoamericana (Iberacademy). En el año 2014 fue aceptado en el programa de música de la Universidad Eafit con énfasis en viola, donde culminó sus estudios de pregrado con la Doctora Braunwin Sheldrick. En el año 2022 culminó sus estudios de maestría y en el 2024 de postgraduate en la Universidad Mozarteum de Salzburgo con el Maestro Thomas Riebl. Actualmente Daniel se desempeña como Solo-Viola en el Mittelsächsische Theater und Philharmonie gGmbH aus Freiberg. Daniel ha participado en el Verbier Festival Music Camp 2014, el Festival Internacional de Música de Esmeraldas 2015, fue miembro de la Filarmónica Joven de Colombia desde la temporada 2015 hasta la 2017 y en la 2019, realizando varias giras nacionales e internacionales con dicha orquesta. Participó en el Festival GSIM 2017 de la Universidad de Virginia, en el Sewanee Summer Music Festival 2018, en el festival Pablo Casals 2018 en Prades, en el Musikakademie en Liechtestein 2019 y 2020 y en el Internationale Sommerakademie Bad Leonfelden 2020. Ganó el primer puesto en el Concurso de Pregrado en Música de la Universidad Eafit 2015-2 en la categoría solista y 2017-2 en la categoría música de cámara. También fue ganador del GSIM Concerto Competition 2017, del concurso de la orquesta de estudiantes de la universidad Eafit 2017 y del concurso jóvenes talento 2018 de la Orquesta sinfónica Eafit. También ganó el primer puesto en el concurso de música de cámara del Retiro 2018, el primer puesto del festival Pianissimo 2018 en la categoría de música de cámara y el tercer puesto en el festival Interviolas de Bogotá en 2023. Ha sido invitado a tocar con orquestas alrededor de Europa como Camerata Salzburg, Ensemble Esperanza, Sinfonie Orchester Liechteschtein, Salzburg Chamber Soloists, Kärntner Sinfonie Orchester y Bad Reichenhaller Philharmoniker.
Javier Bonet Manrique
Javier Bonet, comienza sus estudios musicales bajo la tutela de su padre, continuándolos con Miguel Rodrigo y obteniendo el título en el Conservatorio de Valencia. Posteriormente perfecciona sus estudios en Alemania con Hermann Baumann, con quien se introduce en el estudio de la trompa natural. Tras ganar los dos únicos concursos que se celebran en el mundo en la especialidad de trompa natural, (Concurso Internacional de Bad-Harzburg y el Internacional American Horn Competition) ha pasado a ser considerado como una de las máximas autoridades mundiales en este instrumento. En el campo de la Pedagogía, imparte regularmente numerosos cursos por todo el mundo, invitado por los más prestigiosos conservatorios y universidades habiendo sido profesor del Conservatorio Superior de Castilla y León y de la ESMUC de trompa y trompa natural. Con la trompa moderna, Javier Bonet ha sido galardonado en numerosos Concursos Internacionales (Reims, Porcia, American Horn Competition, Toulon) siendo ahora jurado habitual en varios concursos Internacionales, (Porcia, Munich, o Ginebra entre otros). Es actualmente profesor titular de la Orquesta Nacional de España, labor que compagina con la de concertista y actividad de música de cámara. Muy activo en el mundo discográfico es uno de los pocos intérpretes de trompa en el mundo que tiene grabados los conciertos de Mozart con la trompa moderna, bajo la dirección de H. Baumann con la Orquesta de la Radio de Munich, y con la trompa natural para el sello IBS con E. Moreno y la REAL CÁMARA.
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Solistas
Música de Cámara
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Javier Bonet, comienza sus estudios musicales bajo la tutela de su padre, continuándolos con Miguel Rodrigo y obteniendo el título en el Conservatorio de Valencia. Posteriormente perfecciona sus estudios en Alemania con Hermann Baumann, con quien se introduce en el estudio de la trompa natural. Tras ganar los dos únicos concursos que se celebran en el mundo en la especialidad de trompa natural, (Concurso Internacional de Bad-Harzburg y el Internacional American Horn Competition) ha pasado a ser considerado como una de las máximas autoridades mundiales en este instrumento. En el campo de la Pedagogía, imparte regularmente numerosos cursos por todo el mundo, invitado por los más prestigiosos conservatorios y universidades habiendo sido profesor del Conservatorio Superior de Castilla y León y de la ESMUC de trompa y trompa natural. Con la trompa moderna, Javier Bonet ha sido galardonado en numerosos Concursos Internacionales (Reims, Porcia, American Horn Competition, Toulon) siendo ahora jurado habitual en varios concursos Internacionales, (Porcia, Munich, o Ginebra entre otros). Es actualmente profesor titular de la Orquesta Nacional de España, labor que compagina con la de concertista y actividad de música de cámara. Muy activo en el mundo discográfico es uno de los pocos intérpretes de trompa en el mundo que tiene grabados los conciertos de Mozart con la trompa moderna, bajo la dirección de H. Baumann con la Orquesta de la Radio de Munich, y con la trompa natural para el sello IBS con E. Moreno y la REAL CÁMARA.
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