Catálogo musical

Camila Leal Gómez

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.Camila Leal Gómez Nacida en Puerto Varas y radicada en Viña del Mar, Camila Leal Gómez es violoncellista, compositora, artista visual y docente en violoncello. Su trabajo artístico se sitúa en el cruce entre la interpretación instrumental y la creación contemporánea, desarrollando un lenguaje que reúne narrativa, arte y música para explorar la riqueza tímbrica de diversos formatos de cámara y orquestales. Formada en la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso, ha consolidado una trayectoria creativa con obras presentadas en festivales de Chile, Argentina, Brasil y México. Su catálogo destaca por piezas como Mali y Envés (cello solo), Equipaje (orquesta de cuerdas y cello solista), Luna Llena (ensamble de cuerdas) y Bandada de cuerdas (ensamble de cuerdas), además de registros discográficos en el Sello Modular (Convergencia y Derivas de tinta y aliento). A su labor compositiva se suma una sólida carrera como intérprete, destacando trece años como jefa de fila en la Orquesta de Cámara PUCV, una activa faceta pedagógica región de Valparaíso. Actualmente integra proyectos como el Dúo Tándem y CelloEnsamble, manteniendo una agenda constante de estrenos que fortalece su voz dentro de la música contemporánea chilena.

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Alex Kundera Trio

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.Alex Kundera é guitarrista, violonista, compositor, arranjador, produtor musical e educador, com quase quatro décadas de atuação profissional. Licenciado em Música e com formação complementar pelo Instituto de Guitarra e Tecnologia (IGT), desenvolveu uma trajetória marcada pela pesquisa da música instrumental brasileira, do jazz e da música popular, construindo uma linguagem própria que une sofisticação harmônica, improvisação e identidade brasileira. Ao longo de sua carreira, atuou em palcos e estúdios ao lado de importantes músicos da cena nacional, entre eles Arthur Maia, Thiago Espírito Santo e Derico Sciotti, além de desenvolver trabalhos autorais e projetos culturais voltados à valorização da música instrumental. Sua experiência como instrumentista, arranjador e produtor se reflete em espetáculos que privilegiam a criatividade, a interação entre os músicos e a elaboração de arranjos originais. À frente do Kundera Trio e de outros projetos, Alex Kundera apresenta uma proposta artística que dialoga com a tradição da música brasileira e a liberdade estética do jazz contemporâneo, oferecendo ao público apresentações marcadas pela excelência técnica, sensibilidade musical e constante reinvenção do repertório.

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Charlie Cromo

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Charlie Cromo es compositora, guitarrista, cantante, bajista y pianista. Describe su música como "Zombie Punk" o "Blues Psicodélico Centennial". Compone y toca la guitarra desde los 15 años. A los 18 años lanza su primer EP; "Cráneo" (2021), a ese le siguieron su primer LP; "MICROONDAS" (2024) y "Medias Negras" (2026). En 2026 egresó de la Carrera de Músico Profesional de guitarra en el Conservatorio Sur.

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Idania Valdes

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Idania Valdés cantante cubana es la voz mas jóven del proyecto Buena Vista Social Club desde el año 2003, con el cuál a recorrido gran parte del mundo compartiendo escena con Ibrahim Ferrer, Omara Portuondo, Eliades Ochoa, Amadito Valdés, Barbarito Torres, Guajiro Mirabal y Orlando "Cachaito" López. Junto al maestro Bebo Valdés es la protagonista musical de la película "CHICO y RITA" del cineasta español Fernando Trueba. A participado en producciones discográficas relevantes como BUENA VISTA SOCIAL CLUB LOST AND FOUND, " 10 de Cuba por Colombia" , RHYTHMS DEL MUNDO CUBA, BUENA VISTA SOCIAL CLUB PRESENTS OMARA PORTUONDO, BAJANDO GERVASIO, FLOR DE AMOR entre otros. Cuenta con dos producciones discográficas en solitario "MENOS MAL" y "MÁS ALLÁ DEL CLUB SOCIAL" ambas premiadas en el evento CUBADISCO. Idania es considerada una de las voces más relevantes del panorama actual en la música cubana.

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Igra Voces

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IGRA es un ensamble de voces femeninas formado en 2019 en Buenos Aires, dirigido por Dolores Mazzoni. Su trabajo se centra en la exploración de cantos del mundo, a través de arreglos originales que integran voces, piano y percusión. Se ha presentado en diversas salas y espacios culturales, así como en contextos no convencionales, y ha desarrollado giras que combinan conciertos y experiencias de canto colectivo.

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Christian Roberto Jiménez Sequeira

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Christian Jiménez Sequeira es músico, productor y creador costarricense, conocido principalmente por fundar y dirigir el proyecto infantil La Pájara Pinta, uno de los programas y propuestas musicales más influyentes en Costa Rica para la niñez. Christian Jiménez es un compositor, arreglista y productor musical nacido en San José en 1973, con una trayectoria que combina música, educación, cultura y entretenimiento infantil. Fundó La Pájara Pinta en 1996 como un proyecto para rescatar, preservar y difundir las canciones tradicionales latinoamericanas y crear espectáculos educativos para niños. La Pájara Pinta nace en 1996 como un proyecto para recopilar y revitalizar rondas, juegos y canciones tradicionales latinoamericanas. Con el tiempo se convierte en un show infantil educativo, con personajes, música original y espectáculos para escuelas, festivales y plataformas digitales. Ha producido canciones y videos que promueven valores, cultura y educación (por ejemplo, temas sobre seguridad vial, folclor y turismo). También ha producido la música y bandas sonoras de 6 series de Televisión en Costa Rica. Christian Jiménez, ha sido galardonado dos veces con el premio ACAM en la categoría de música infantil. Produce desde 2002 un programa de radio llamado El Club de La Pájara Pinta en radio nacional abierta. Ha producido 5 obras de Teatro, cuatro de ellas galardonadas y apoyadas por el Ministerio de Cultura de Costa Rica. Además, produjo un programa de Televisión Infanti el canal estatal Sinart Canal 13 desde 2024 hasta 2021. En síntesis, Christian Jiménez es un referente de la música infantil costarricense, con una carrera que mezcla creatividad, pedagogía y rescate cultural. Su proyecto La Pájara Pinta se ha consolidado como una plataforma que acerca a la niñez a la cultura, las leyendas, la educación y la música tradicional, mediante espectáculos, canciones y contenido audiovisual. www.jimenezchristian.com

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Daniel Bravo

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Daniel Bravo (Caracas – Venezuela, 1985),inicia su camino musical en la Escuela Superior de Música José Ángel Lamas. Es egresado de la Universidad Nacional Experimental de las Artes (UNEARTE), donde obtiene el título de Licenciado en Música, mención Educación Musical. Realizó estudios de composición en la Universidad Simón Bolívar y en la Cátedra Latinoamericana de Composición Antonio Estévez. Cursó el Diplomado en Composición de Música para Cine, Artes Escénicas y Videojuegos en el Núcleo Integral de Composición (México). Posteriormente, obtuvo el Máster en Composición Musical con Nuevas Tecnologías en la Universidad Internacional de La Rioja (España), siendo seleccionado para participar en el Concierto de Laureados celebrado en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Ha participado en el Festival Internacional de Flauta y Piccolo, el Festival Caracas Contemporánea, el Festival Latinoamericano de Música y el II Encuentro Nacional de Compositores Venezolanos, ocasión en la que se estrenó su primera obra sinfónica, Iwariwë, el dueño del fuego, presentada en el Teatro Teresa Carreño. En 2020 lanza su LP de ambient music Dai, concebido como un viaje introspectivo a través de texturas digitales y atmósferas contemplativas. En la actualidad se dedica a la composición electroacústica, explorando procesos digitales y técnicas de procesamiento de audio orientadas a la experimentación sonora, donde la tecnología y la intuición se entrelazan para dar forma a nuevas poéticas sonoras. Actualmente se desempeña como docente investigador en la Universidad Mayor de San Simón (Cochabamba, Bolivia), donde desarrolla proyectos vinculados a la composición y la experimentación sonora con instrumentos autóctonos bolivianos. Un ejemplo de este trabajo es su obra Waka, Nuna, Wiñaykay (Lugar sagrado – alma – eternidad). Su creación se nutre de múltiples búsquedas estéticas, donde lo ancestral, lo digital y lo experimental convergen en una poética sonora en constante transformación.

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Orquestra Sinfônica de Piracicaba

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A origem da Orquestra Sinfônica de Piracicaba remonta ao último ano do século 19. Lázaro Lozano foi o primeiro regente da orquestra da cidade, cuja primeira apresentação ocorreu em 24 de março de 1900, na matriz de Santo Antônio. No livro “História de Piracicaba em Quadrinhos”, Leandro Guerrini descreve a ocasião, no mínimo curiosa, do primeiro concerto daquele grupo: a celebração da missa pela alma do músico Roque do Prado, mandada rezar pelos seus amigos. Foi executada a marcha-fúnebre “Saudade de Almeida Júnior”, de Joaquim Miguel Dutra. Nesse início de século, musicistas de excelente nível se apresentavam em reuniões lítero-musicais da sociedade piracicabana. Entre eles se destacavam Fabiano Lozano, irmão de Lázaro, e Benedito Dutra Teixeira. Lozano era espanhol, radicado na cidade e professor na Escola Normal. Nos anos seguintes, assumiria papel de relevo no cenário artístico de Piracicaba, tornando-se nome de projeção nacional. Dutra, jauense, era também professor e ganharia, da mesma maneira, grande projeção. Fabiano Lozano já́ tocava, com Erotides de Campos – ambos ainda adolescentes – na orquestra do irmão mais velho daquele, Lázaro Lozano, que se apresentava regularmente no Teatro Santo Estevão, inaugurado em 1906. Um pouco mais tarde, Fabiano Lozano foi o principal idealizador da Orchestra do Theatro-Cinema de Piracicaba, criada em 1913. Entre seus fundadores figuravam nomes ilustres da cidade e da música nacional, como Erotides de Campos. Esta orquestra ficou conhecida como Orchestra Lozano e seu primeiro concerto foi realizado no Salão Nobre da Universidade Popular de Piracicaba, no dia 12 de outubro de 1914. Entre seus componentes constavam Dutra, Erotides de Campos e Belmácio Pousa Godinho. No final dos anos de 1920, segundo noticiário da época, músicos e comunidade preconizavam a criação da Orquestra Sinfônica de Piracicaba, ideia que, no entanto, ainda não vingou dessa vez. Optou-se pela denominação de Orchestra Piracicabana em 6 de julho de 1929. Esta se filia à Sociedade de Cultura Artística, fundada há pouco tempo. Compunham essa orquestra, regida por Lozano, musicistas como Dutra, Leontino Ferreira de Albuquerque e Eduardo Salgado. Ainda em 1929, em 15 de outubro, a Orchestra Piracicabana e o Orpheon Piracicabano se apresentaram no Teatro Santo Estêvão, sob a regência de Lozano. Em 1931, o maestro Lozano viaja para o Nordeste. Dutra assume a regência, mas também precisa deixar a cidade, na metade dos anos 40, para assumir cargo no Departamento de Educação, em São Paulo. Em 1946, a orquestra é reorganizada pela Cultura Artística, tornando-se autônoma por solicitação de Jaime Rocha de Almeida, flautista e professor da Escola Superior de Agricultura “Luiz de Queiroz”. Com o nome de Orquestra Piracicabana de Amadores, passa a ser regida pelo maestro belga Edgard Van de Branden, que, algum tempo depois, muda-se para Campinas. Os anos 50 marcam o retorno de Dutra que, reassumindo a regência, faz diversas apresentações. Esta década foi um período de intensa atividade musical, tendo aparecido, em 6 de janeiro de 1958, a Orquestra Rizzi, sob a regência do maestro Germano Benencase, italiano residente em Americana e professor do Colégio Piracicabano, onde se iniciam as atividades da nova orquestra. Em 1962, falece Benedito Dutra Teixeira e, no ano seguinte, a Orquestra Rizzi realiza concerto em sua homenagem, na Società Italiana di Mutuo Soccorso. Nessa época, a Orquestra Piracicabana de Amadores e a Orquestra Rizzi se unem, mas a fusão oficial se dá em 1965, adotando-se o nome de Orquestra de Amadores “Benedito Dutra Teixeira”, sob a direção de seu filho, Rossini Rolim Dutra, e Egildo Pereira Rizzi. Esta Orquestra participou, em 1967, das festividades do 2o centenário da cidade, sob a regência de Rossini. Após este período, o interesse pela Orquestra permanece, de maneira efetiva, sob a liderança dos irmãos Rizzi – Reginaldo, Rodolfo e Egildo – aos quais se soma Hélio Manfrinato, no início dos anos 90, consolidando-se o movimento pela sua ampliação. Em 1991, inicia-se nova fase na vida da Orquestra, que chega a 50 músicos e realiza vários concertos. A partir de então, Hélio Manfrinato passa a ser o regente titular. Em 1994, finalmente, o sonho dos anos 20 se concretiza e surge a Orquestra Sinfônica de Piracicaba, sob a direção de Hélio Manfrinato, Olênio Veiga e Egildo Pereira Rizzi. De 15 de outubro de 1996 a dezembro de 2012, atuou como regente titular Egildo Pereira Rizzi. Nesse período foram promovidos espetáculos destinados à divulgação da música erudita, ao resgate da obra de autores nacionais e à valorização da cultura popular. Após a morte de Egildo Rizzi, seu ex-aluno André́ Micheletti – que acabara de retornar de seu doutorado no exterior, assume a direção dos trabalhos da OSP, entre os anos de 2013 aos primeiros meses de 2014. O maestro Jamil Maluf, piracicabano que atuou como diretor artístico do Theatro Municipal de São Paulo e criou a Orquestra Experimental de Repertório, torna-se diretor artístico e regente titular da OSP em julho de 2014, com Micheletti como regente assistente e diretor artístico associado. Ambos são responsáveis por um trabalho de reestruturação da Orquestra, como admissão de instrumentistas profissionais e estagiários, além de programação especial para marcar, então, os 115 anos de história da OSP. Em dezembro de 2020, Jamil Maluf deixa de ser o diretor artístico e regente titular da OSP, para se dedicar, em São Paulo, à Orquestra Experimental de Repertório. Na ocasião, torna-se maestro emérito da OSP. Em janeiro de 2021, a OSP anuncia oficialmente o nome do maestro alemão Knut Andreas, de Potsdam, como diretor artístico e regente titular, enquanto André Micheletti permanece como diretor artístico associado.

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Valkirias Ska

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Valkirias es una agrupación mexicana de ska fundada en abril de 2019 en la Ciudad de México con la misión de fortalecer, visibilizar y amplificar la participación de las mujeres dentro de la escena musical. Desde sus inicios, el proyecto se distinguió por reinterpretar el legado de referentes internacionales como Tokyo Ska Paradise Orchestra, Ska Cubano, Save Ferris y Madness, consolidando una propuesta escénica que evolucionó de manera natural hacia la creación de repertorio original con una identidad propia y un discurso social. Más que una banda, Valkirias representa un colectivo artístico que impulsa la igualdad de oportunidades dentro de la música. Su propuesta combina la energía del ska con una narrativa contemporánea que promueve el liderazgo femenino, la colaboración, la diversidad y la construcción de espacios culturales más incluyentes, demostrando que la transformación de la escena musical es posible desde el trabajo colectivo y el respeto mutuo. A lo largo de su trayectoria, la agrupación se ha presentado en algunos de los escenarios más representativos de la Ciudad de México y el Estado de México, entre ellos el Multiforo Cultural Alicia, Gato Calavera y el Centro Cultural de España en México, además de participar en foros y encuentros culturales en distintos estados del país. Asimismo, ha formado parte de festivales y eventos de relevancia nacional como SKATEX 2021, el 25 Aniversario de La Tremenda Korte, Poronga Fest en Guadalajara, Inked Fest en Morelia y diversos festivales culturales en Querétaro, Hidalgo y Morelos, fortaleciendo su presencia dentro de la escena del ska mexicano. La trayectoria de Valkirias también ha sido respaldada por medios de comunicación como TV Mexiquense, IMER y diversos espacios especializados en música, consolidando el reconocimiento de su propuesta artística tanto en medios tradicionales como digitales. Paralelamente, la agrupación ha desarrollado un repertorio original que continúa expandiendo su identidad creativa y su vínculo con nuevas audiencias. Actualmente, Valkirias se encuentra en una etapa de consolidación y proyección internacional, impulsando la producción de nuevas obras y el desarrollo del proyecto "Femme Power", una iniciativa artística que busca generar diálogo, inspiración y representación para mujeres creadoras dentro de la música. Su visión trasciende el escenario: aspira a construir puentes de colaboración con artistas, festivales e instituciones culturales de Iberoamérica mediante conciertos, intercambios creativos y actividades formativas que fortalezcan las redes de cooperación musical de la región.

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Luces de Prometeo

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Luces de Prometeo es una productora y estudio creativo especializado en diseño lumínico y visual para música en vivo. Desde su fundación en 2023, desarrolla propuestas audiovisuales que integran iluminación, videomapping y nuevas tecnologías para fortalecer la experiencia escénica de artistas y proyectos musicales. Su trabajo se extiende a festivales, conciertos y videoclips, colaborando con la escena independiente y cultural mediante la creación de universos visuales que dialogan con la identidad sonora de cada proyecto.

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